[Huchting]

Меня давно подмывало рассказать о знаменитом скульпторе Пауле Шойрихе и его серии "Русский балет", но долгое время я не мог заставить себя подступиться к этому художнику - он мне казался какой-то глыбой в мире легких и изящных фарфоровых фигурок. Тем не менее я преодолел свой легкий мандраж, и вот рассказ о нем. Конечно, нельзя рассказать историю только одного человека, мне придется начать немного издалека. Но сначала о том, кто же он - знаменитый Пауль Шойрих?

Немецкий живописец, гравёр, скульптор, график – это только небольшая часть достижений Пауля Шойриха за его сложную творческую жизнь. Его вклад в историю мануфактуры Meissen считается бесценным. Его называют Кендлером 20-ого века, поскольку со времён Йоханна Кендлера Шойрих стал лучшим скульптором пластического фарфора. Благодаря именно работам Шойриха Meissen снова занял достойное лидирующее положение среди производителей фарфора. Его эксклюзивные фигуры пользуются успехом и большой популярностью у коллекционеров всего мира.

В соответствии с записями в рабочем архиве фабрики, Пауль Шойрих создал для мануфактуры Meissen 102 модели. Работы Шойриха можно отнести к периоду Арт-Деко – они в подавляющем большинстве театральны, эротичны и эффектны. Главные черты его скульптур, определяющие ценность его работ – это чувственная сила воздействия, невероятная пластика и динамика фигур.
Разносторонность Пауля Шойриха поражает: он был графиком, гравёром, скульптором, работающим с разными материалами: гипсом, камнем, бронзой; художником, который рисовал пастелью, маслом, карандашом, углём, мелом; он любил портреты, миниатюры, разрабатывал дизайн для покрывал, кулис для оперного театра Шарлоттенбург, занимался также росписью по стеклу. Даже денежные банкноты того времени были росписаны Паулем Шойрихом.

Будучи по профессии обычным машиностроительным инженером, Mакс Адольф Пфайффер безумно любил искусство, сумел на этой любви построить целый мир и привлечь талантливейших людей к своей собственной мастерской по производству и продаже фарфора. В 1901 году Пфайффер вместе с другим предпринимателем выкупил разваливающуюся в то время фарфоровую Фолькштедскую фабрику. А в 1909 году смог в рамках этого завода открыть художественное ателье-мастерскую в деревушке Унтервайсбах недалеко от Шварцбурга, которая получила название «Шварцбургские мастерские фарфорового искусства». С Паулем Шойрихом энтузиаста Макса Пфайффера познакомили на выставке, где молодой художник представил свою первую работу «Охотница», которая была выполнена впервые именно в фарфоре на Берлинской Фарфоровой мануфактуре за собственные деньги Шойриха. С тех пор Пфайффер стал закупать у Шойриха его проекты и воплощать их в фарфоре в рамках «Шварцбургских мастерских фарфорового искусства».

В 1913 году Адольф Пфайффер уехал из Унтервайсбаха и стал главным художественным руководителем фарфоровой мануфактуры Meissen. На первом этапе работы на мануфактуре в его главную обязанность входил поиск новых идей и форм для их воплощения в фарфоре. Именно работы Шойриха стали первыми фарфоровыми фигурами, модели которых Пфайффер начал закупать у самого художника. Это была знаменитая коллекция «Русский Балет», ставшая несравненным бестселлером. В 1914 году начались первые признаки психического заболевания у Пауля Шойриха. Практически 2 года он пребывал в страшнейшей депрессии, которую связывали с его гениальностью.

В 1918 году Адольф Пфайффер становится директором мануфактуры Meissen, решает узаконить сотрудничество с Паулем Шойрихом и реализовать все свои надежды, связанные с любимым скульптором. С этого момента начинается длительная история плотной работы Шойриха на немецкой фарфоровой мануфактуре, которая так сильно повлияла
на престиж фабрики. Шойрих писал, что это время было очень важным периодом в его жизни, поскольку для него представилась возможность именно через фарфор реализовать все свои многочисленные замыслы. Этот период стал своеобразным вызовом его индивидуальности и способностям, поскольку работа с фарфором всегда являлась очень рискованной и опасной, однако одновременно она была способом выразить себя через роспись, через нанесение глазури, через точный просчёт ожидаемого на выходе результата.

В это время у Шойриха снова обостряется его психическое заболевание и работа снова приостанавливается. Практически пять лет Пауль абсолютно не мог работать. В течение этого времени его жена Кете начала продавать даже просто зарисовки идей своего мужа мануфактуре. И Пфайффер в связи со своим безграничным уважением к таланту и личности художника соглашался зачастую по завышенной цене покупать эти модели и зарисовки, чтобы как-то помочь ему выкарабкаться из своей болезни и поддержать экономически.

Оправившись от болезни, осенью 1928 года Пауль Шойрих постепенно снова приступает к работе. Этот период также оказывается очень плодотворным для скульптора. За 4 года он создаёт 21 модель фигурок. Важно отметить то, что сильно меняется его взгляд на женщин и на тематику в творчестве. Если до болезни Шойрих придерживался старых тенденций и стиля, выбор его образов был тем или иным способом связан с балетом или оперой, то в период после болезни скульптор обратился к ироничному стилю изображения своих образов. Костюмированный яркий мир театра уступил место иллюзорному миру фантазии. Материализовавшиеся фантомы уже не требовали яркой раскраски. Фарфоровая бледность была им к лицу. Женские фигуры стали более угловатыми, излишне худыми, с неразвитой грудью, иногда словно болезненными, напоминающими подростковую фигуру. Женские фигуры были облачены по моде того времени, с чересчур глубоким декольте, с оголёнными ногами, с короткими мальчиковыми стрижками, с перьями и шляпами. Минимум росписи, бледность, хрупкость образа.

В связи с гонениями евреев, Шойрих всегда выступал в защиту этой нации, старался защищать своих друзей, творческих людей-евреев, никогда не участвовал в расистских предрассудках, не принимал участие ни в одной политической кампании, не состоял ни в одной партии. И даже в искусстве никогда не отражал никаких политических и идеологических намёков. И, к сожалению, в скором времени он был вынужден временно покинуть страну. Этот отрыв от родины, культуры, не могли не сказаться на его душевном состоянии. Кроме того и его единственный сын Каспар стал немецким солдатом и в мае 1940-ого года погиб. Шойрих снова впадает в жуткую депрессию, вся его болезнь возвращается к нему. В периоды выздоровления он пытается творить и работать. Ремиссии в болезни становятся всё более редкими и вскоре после 1942 года он прекратил моделировать фигурки, во всяком случае до наших дней не дошла информация о его работах после 1942-ого года. В скором времени попадает бомба в ателье Шойриха, и скульптор больше не возвращается в Берлин. Они вместе с женой уезжают в маленький городок Айхов к своим хорошим знакомым, которые во многом им помогли. К тому времени он уже практически потерял рассудок. В сентябре 1945 года Пауля Шойриха не стало - по предсмертному заключению он скончался от пневмонии.

Судьба Пауля Шойриха была очень сложной, она к тому же была омрачена постоянными вспышками его болезни. Но возможно именно поэтому его творчество было настолько богатым и интересным, новым и неоднозначным. Именно из рук этого художника вышло столько неповторимых изделий, которые до сих пор радуют коллекционеров и привлекают внимание всех любителей фарфора.
В следующем посте мы поговорим о знаменитой серии "Русский балет", которая сделала блестящего скульптора Пауля Шойриха поистине бессмертным.

(продолжение следует)

[Huchting]

Итак, мы уже знаем, что в начале 20-го столетия на фабрике Meissen появился новый молодой художник Пауль Шойрих. По веянию эпохи он стремился ко всему новому, яркому и неожиданному. Шойрих в своём творчестве не раз обращался к теме оперы, балета и танцев. В 1910 году в Берлине проходили гастроли нашумевшего уже тогда Дягилевского русского балета с постановкой Михаила Фокина на музыку Шумана «Карнавал» по мотивам комедии Дель Арте. Именно на это время приходится новая волна интереса к уличному театру Италии благодаря русским художникам и артистам. Спектакль «Карнавал» был поставлен всего за 3 репетиции по случаю благотворительного вечера и первоначально был показан на сцене Петербургского Императорского Театра. После ошеломительного успеха Сергей Дягилев вывез постановку за рубеж и показал миру. Русский балет в Европе начала 20-ого века определил новую эпоху в развитии данного музыкально-театрального жанра.

За основу сюжета «Карнавала» были взяты сцены из итальянской комедии масок Дель Арте – уличного театра-импровизации комедийного характера с постоянными персонажами, переходившими из спектакля в спектакль. Главными были роли клоунов, шутов, которые передразнивали влюбленных, обманыали стариков и вообще запутывали сюжет. Иногда они прерывали действие любимыми во все времена репризами: притворной борьбой, бахвальством, падениями, мнимыми болезнями и их лечением, акробатическими трюками, танцами, песнями, пантомимой, гримасами. Арлекин воплощал в себе дух карнавала. Единственной целью, которую преследовали создатели театра Дель Арте, было увеселение публики. От мастерства и таланта шутов зависело, насколько веселой и необычной будет комедия. Из-за смешения столь разнородных элементов невозможно было выстроить единое действие, и комедия Дель Арте представляет собой череду интермедий. Сквозной же сюжет интермедий был очень прост: 2 пары влюблённых хотели пожениться, старики были против, а слуги помогали влюблённым перехитрить стариков. Действующие лица, как на карнавале носили маски и имели при себе атрибуты, поясняющие характер или профессию персонажа. Роль масок – высмеять типажи из реальной жизни (типаж скупердяя, шарлатана, например). Количество таких масок-персонажей насчитывалось около 100. Представления театра комедии Дель Арте не имели текстов, актёры по большей части импровизировали действие. Труппы, игравшие комедии масок, стали первыми в Европе театральными труппами, где закладывались основы актёрского мастерства.

Сцена балетной постановки «Карнавал» была оформлена очень бедно, да и не декорации в данном случае были главными. Весь акцент был сделан на пантомимный диалог, мимику, жесты, движения, сценические костюмы и грим, создающие театральные кукольные образы персонажей, что в общем-то и характерно для импровизированных комедий Дель Арте. Для молодого художника Шойриха нововведения Русского Дягилевского балета стали сильнейшим импульсом для создания своей коллекции. Шойрих последовал основной идейной мысли «Карнавала» и не уступил Фокину: его фигуры - словно застывшие в яркой позе актёры. В фарфоре он словно увековечил моментальные сценки из постановки Дягилева. Скульптор не старался передать портретное сходство с актёрами «Русского балета», но в его фигурах легко узнаются персонажи представления. Для него важным было повторить в скульптуре экспрессию актёров – в пластике движений, жестах, позах и костюмах, создающих тот или иной образ. Важный акцент скульптор сделал на отображении сценических костюмов балета, которые стали своего рода прототипами новой моды 20-ого века. Широкие укороченные платья-кринолины с многочисленными

В 1913 году Пауль Шойрих создаёт 5 фигур итальянских комедийных героев - «Арлекин и Коломбина», «Пьеро», «Эвзебий», «Киарина» и « Эстрелла». Эта коллекция стала одной из узнаваемых серий фигур молодого скульптора под названием «Русский балет». К 1917 году из-под рук Шойриха вышла ещё одна фигура к серии, и их становится 6. Работы проводились по эскизам к балету и сценическим костюмам, поэтому их сходство с реальными амплуа актёров на сцене просто невероятно. Некоторые элементы в росписи напоминают фарфоровые традиции прошлого (например, узор из ярких разноцветных ромбов на панталонах Арлекино или цветочный мотив на платье Эстрэллы, но при этом отчётливо «звучат» идеи немецкого югендстиля (в переводе с немецкого «молодой стиль»). В том числе и цветовая гамма в пастельных тонах ярко демонстрирует модернистский почерк Шойриха. Роспись поверх глазури изделий подчёркивает театральность костюмов. Фигуры Шойриха смогли завоевать огромное внимание зрителей и коллекционеров. На то время они стали самыми продаваемыми на фабрике Meissen. Эти фигуры выставлялись на многочисленных выставках и вызывали массу восхищения, их публиковали в журналах, о них писала пресса. Шойрих во всём своём мастерстве сумел уловить и увековечить важный переворотный момент в истории русского и мирового искусства.

(продолжение следует)

[Huchting]

Как я уже сказал, персонажи комедии дель арте были одеты в костюмы Льва Бакста, а яркая надглазурная роспись подчеркивала нарочитую театральность костюмов и соответствовала аффектированности жестов. Шойрих последовал основной идейной мысли «Карнавала» и не уступил Фокину – его фигуры словно застывшие в яркой позе актёры. В фарфоре он словно увековечил моментальные сценки из постановки Дягилева.

Итак, первая фигура серии "Русский балет" - «Арлекин и Коломбина».
Помолвка Арлекина и Коломбины является центром знаменитого балета, очаровавшего всю Европу. Они постоянно ищут уединения, и насмехаются над комичным возлюбленным Панталоне и постоянно грустным и подавленным Пьеро. Тамара Карсавина была первой балериной, которая станцевала роль Коломбины. В дальнейшем её роль исполняли Лидия Лопухова и Вера Фокина. Роль Арлекина исполняли Михаил Фокин и Вацлав Нижинский. Шойрих сумел выразить главную идею наиболее гармоничного балета Фокина — сфокусироваться на движениях и пластике. Правая рука Арлекина неестественно отодвигает пышные кринолины Коломбины, максимально выгнутое тело, повороты головы, вытянутые до предела руки, изгиб запястья, губы, почти слитые в поцелуе — пойманный момент из сонма движений, совершаемых человеком.

Фото 1 - "Арлекин и Коломбина", модельер Пауль Шойрих, 1914 Мейсеновская мануфактура.
Фото 2 - Бобышов Михаил Павлович (1885-1964), «Арлекин и Коломбина, балет "Карнавал"» 1915
Фото 4 - Бобышов Михаил Павлович, Михаил Фокин и Вера Фокина в балете "Карнавал".

(продолждение следует)

[Huchting]

Фото 1 - «Арлекино», модельер Пауль Шойрих, 1914 Мейсеновская мануфактура.
Фото 2 - Бобышов Михаил Павлович, Михаил Фокин в балете Карнавал, 1918.
Фото 3 - Арлекин - Михаил Фокин.

(продолждение следует)

[Huchting]

«Киарина»

В образе Киарины Шуман изобразил свою жену Клару Вик. Робкая, скромная, сентиментальная, обворожительная, любящая романтичного мечтательного Эвсебия, который пылко ухаживает за ней. Она увлечена, но в разговорах с подругами подшучивает над ним, скрывая свою страсть. Шойрих изобразил Киарину в момент исполнения танца перед своим возлюбленным с цветами вместо кастаньет.

Фото 1 - «Киарина», модельер Пауль Шойрих, 1914 Мейсеновская мануфактура.
Фото 2 - Леон Бакст (1866-1924), Эскиз костюма к балету Карнавал. Киарина, 1910.
Фото 4 - Вера Фокина и Алексей Булгаков в балете «Карнавал», Париж 1910.

(продолждение следует)

[Huchting]

«Пьеро»

Прототипом Пьеро был Педролино — ловкий изворотливый, но часто попадающий впросак чудак. Французы в начале 19-ого века переосмыслили образ Педролино и создали Пьеро, образ несчастного отвергнутого влюблённого, неудачливого спутника и соперника Арлекина. Это был душевно тонкий и чрезвычайно ранимый персонаж. Исполнитель Пьеро всегда выступал без маски. Считается, что слуга Пьеро был в прошлом мельником в белых одеждах и с лицом вечно обсыпанном мукой и нарисованными слезами. Соответственно в маске он не нуждался.

«Эвсебий»

Эвсевий не является центральным героем постановки балетмейстера. У Роберта Шумана этот герой олицетворял одну из сторон мировосприятия самого композитора. Эвсевий — задумчивый, мечтательный, романтический, чувствительный, созерцательный, и полная противоположность своему другу Флорестану - страстному, пылкому и увлекающемуся. Левой рукой он демонстрирует искренность, открытость и незащищённость чувства преданности, прошения о снисхождении. На лацкан пиджака Шойрих прикрепил нежную розу, как знак утончённости натуры.

Фото 1 - «Пьеро», модельер Пауль Шойрих, 1914, Мейсеновская мануфактура.
Фото 2 - «Эвсебий», модельер Пауль Шойрих, 1914, Мейсеновская мануфактура.
Фото 3 - Леон Бакст, Эскиз костюма к балету Карнавал. Эвзебий.

(продолждение следует)

[Huchting]

«Эстрелла»

Эстрелла, как и Эвсебий, не является центральной фигурой «Карнавала», однако её фигура не может быть не отмеченной. Про Роберта Шумана и его сочинение всегда говорили, что оно является автобиографичным, и в образе непосредственно Эстрэллы он изобразил свою первую любовь – Эрнестину фон Фрикен.

Интересно отметить, что в балете танцовщица, исполняющая роль Эстрэллы, не исполнила ни одной сложной балетной фигуры, ни одного пируэта, но танец был отмечен необычайной воздушностью и лёгкостью. Её танец был поставлен в стиле воздушного танца Марии Тальони. Стать как можно выше, как можно легче, как можно грациознее и тоньше, словно парить над земной поверхностью, благодаря правильной и очень сложной постановке ноги на носочек в пуантах – вот главное отличие такого танца. Именно это хотел изобразить скульптор Шойрих в своей фигурке Эстрэллы. Левая рука наполовину приподнята, как будто бы защищая героиню от невидимого препятствия или нападения. Кокетливый отказ и одновременно согласие, смущение и сомнение, неуверенность и жеманность, нерешительность и одновременно приглашение. Она притворяется испуганной пламенными ухаживаниями своего стремительного, энергичного, напористого поклонника Флорестана.

Фото 1,2 - «Эстрелла», модельер Пауль Шойрих, 1914, Мейсеновская мануфактура.
Фото 4 - Леон Бакст, Эскиз костюма к балету Карнавал. Эстрелла, 1910.

Первые исполнители балета "Карнавал" на музыку Р.Шумана:
Коломбина - Т. П. Карсавина
Арлекин - Л. С. Леонтьев, М. Фокин, Нижинский
Киарина - В. П. Фокина
Пьеро - В. Э. Мейерхольд, А. Р. Больм, М. Фокин
Эвзебий - Ф. К. Шерер
Эстрелла - Л. Ф. Шоллар
Флорестан - В. Ф. Нижинский
Бабочка - Б. Ф. Нижинская
Панталоне - И. Ф. Бекефи

На этом позвольте откланяться в стиле знаменитых балетных артистов дягилевского театра, которые прославили нашу страну больше, чем тясячи дипломатов и политиков.
Слава великому мастеру фарфоровых искусств Паулю Шойриху, подарившему нам всем красоту русского балета, навечно запечатленную в застывших, но таких живых и прекрасных фарфоровых фигурах.

[Huchting]

В этом посте я познакомлю Вас еще с одной интересной темой, касающейся фарфора и искусства - искусства изготовления и игры на фарфоровых колоколах (главный источник - статья "Фарфоровые колокола из Майсена", автор Светлана Нарожная).

Традиционный материал для колоколов - бронза (сплав меди с оловом). Однако есть место, где этой традиции не следуют. Это Мейсен - небольшой город в Саксонии, родина европейского фарфора, и единственное место в мире, где льют фарфоровые колокола для часов и карильонов. В Германии их называют Glockenspiel - глокеншпиль - дословно "колокольная игра". В Европе фарфор впервые был получен в 1708 году в Мейсене талантливым алхимиком Иоганном Бётгером. Саксонский курфюст и польский король Август Сильный, который финансировал опыты Бётгера, повелел устроить в Майсене фарфоровую мануфактуру, и именно ему приписывают идею создания фарфорового колокола: говорят, что королю так понравился нежный звон фарфоровой чашки, что он пожелал иметь музыкальный инструмент с фарфоровыми колоколами - глокеншпиль. В 1729 году Август дал задание придворному архитектору Даниэлю Пёпельману сделать проект часового павильона в Цвингере (Дрезден), и именно в это время на фарфоровой мануфактуре в Мейсене начинают отливать колокола. Однако потребовалось около 6 лет, чтобы получить красиво звучащий фарфоровый колокол.

В 1737 году во дворце Августа в Дрездене состоялась презентация необычного инструмента - глокеншпиль с фарфоровыми колоколами. 52 колокола (в форме плоских чаш) для инструмента были отобраны из 700 колоколов, отлитых на мейсенской мануфактуре (колокола заданного тона отливать тогда еще не умели). Иоганн Кендлер сделал для инструмента красивый деревянный корпус четырех метров в высоту, органный мастер из Майсена Иоганн Хэнель сконструировал систему управления колоколами, опробовать глокеншпиль было доверено лучшему придворному музыканту Пантелеону Хебеншрайту. Но к разочарованию короля и почтенной публики инструмент гармоничного звучания и чистоты звука не дал, и больше им не пользовались (сейчас - это экспонат музея фарфора в Дрездене). Следующая попытка создания глокеншпиль с фарфоровыми колоколами датируется 1740 годом. Это был настольный инструмент с 48 колоколами в форме широких чаш - работа Кендлера для графа Генриха фон Брюля. Инструмент сгорел в 1767 году. Дальнейшие попытки усовершенствовать глокеншпиль с фарфоровыми колоколами успехом не увенчались, и их производство было прекращено. А фарфоровый колокол остался в продукции мейсенской мануфактуры только в виде настольного колокольчика. Была отработана его форма, которая остается неизменной вот уже более 200 лет, менялись лишь форма ручки да роспись в соответствии с веяниями моды.

Поющие колокола Эмиля Пауля Бёрнера (1929г.)
"Приручить" фарфоровые колокола удалось Эмилю Паулю Бёрнеру (Emil Paul Börner) в 1929 году. Именно тогда на Фрауэнкирхе Мейсена был установлен первый в мире набор из 37 колоколов. Прошло 192 года от первой глокеншпиль из дворца Августа Сильного до первого хорошо настроенного инструмента. Эмиль П. Бёрнер, сын рабочего мануфактуры, рано проявил художественные способности. Он успешно закончил училище при мейсенской мануфактуре, затем Академию художеств в Дрездене. Расцвет его карьеры в Мейсене удачно совпал с подъемом здесь фарфорового производства после первой мировой войны. С 1930 года Бёрнер - главный скульптор мануфактуры. Он разработал многие модели медалей, ваз и сервизов, его работы известный в Германии памятник из фарфора павшим солдатам. Но его главным профессиональным успехом стали именно фарфоровые колокола.

Их отличает мягкий насыщенный звук, особенно на высоких тонах. Однако фарфор - сложный материал, для прочности требующий обжига, после которого изделие уменьшается в размере примерно на 1/7. Вот и попробуйте в этом случае отлить колокол точно заданного тона. Бёрнер начал работы в этой области в 1926 году, а к 1929 году технология производства была отработана в двух вариантах, отличавшихся в основном способом формовки колокола. Первый: фарфоровую массу формуют на гончарном круге вручную, затем колокол принимает окончательный вид в гипсовой форме. Второй способ: более пластичная, чем в первом случае, фарфоровая масса заливается сразу в гипсовую форму. Затем (независимо от способа формовки) колокола просушивают, покрывают глазурью, и обжигают в первый раз (при температуре 900-1000 градусов). Профессор Бёрнер разработал семь основных форм для колоколов (по числу нот в октаве). Высота форм варьируются от 15 до 70 сантиметров. А диапазон звучания у фарфоровых колоколов до 4-х октав. Затем следует второй обжиг (при температуре 1350-1450 градусов), после которого колокол приобретает достаточную прочность и хороший звук. Именно после второго обжига из основных форм путем обрезания и стачивания получают колокола промежуточных тонов октавы. В основном отливают колокола белого цвета, исключение - первые колокола часового павильона в Дрездене (они были золотыми), первые колокола в Бремене (были синими снаружи и золотыми внутри) и существующие колокола в австрийском городе Гмунден (в зеленую полоску). На одном боку колокола обычно стоит фирменный знак майсенской фарфоровой мануфактуры - две синие скрещенные шпаги, а на другом нанесен тон - скрипичный ключ и нота.

Где устанавливают и как играют на фарфоровых колоколах
Устанавливают фарфоровые глокеншпили обычно там, где их хорошо слышно и видно: в парках и больших внутренних дворах, в местах скопления туристов. Для музыкальных композиций выбирают известные мелодии, обычно их несколько: для разных времен дня и года. Как и у бронзового колокола, у фарфорового в начале преимущественно звучит его основной тон, а затем обертоны, и здесь очень важно их гармоничное сочетание. Звук должен быть долгим, чтобы успели прозвучать все обертоны колокола. Для этого подходят спокойные мелодии, и их подбирают для каждого конкретного набора колоколов. Фарфоровая глокеншпиль - сложный музыкальный инструмент. Самый старый способ игры на нем - вручную. Если при этом задействовать несколько звонарей, то можно создать многоголосие. Следующий способ - игра с клавиатуры, которая очень похожа на рояль. Существуют пневматическая и электрическая клавиатуры. В последнее время используется микроэлектронное управление ударными механизмами колоколов. Первый набор колоколов с таким управлением был установлен в Лейпциге в 1984 году, затем в Веймаре в 1987.

Колокола Фрауэнкирхи Майсена
Однако вернемся к самой первой глокеншпиль, изготовленной в 1929 году для Фрауэнкирхи Мейсена. Храм получил такое чудо в год тысячелетия города. 37 колоколов исполняют 6 хоралов, управляются башенными часами, но могут управляться и с клавиатуры. Сначала колокола звонили каждый час, начиная с 6 утра. Это была песня "Просыпайтесь, нас зовет голос Бога".
В 9 утра исполняли "Боже, мы тебя хвалим".
В 12 час. - "Боже, храни Короля".
В 15 час. - "Мы идем молиться".
В 19 час. - "Крепкий замок, наш Господь".

После 70 лет работы инструмент расстроился. Для реставрации уникальной глокеншпиль в 1998 году было образовано "Общество Фрауэнкирхи Мейсена". С 2002 года фарфоровые колокола в Мейсене не звонили. Требовалась замена почти всех колоколов, была необходима реставрация ударных механизмов и, конечно, тщательный уход за инструментом в будущем. Деньги на это собирали "всем миром". Колокола нового набора для Фрауэнкирхи отливались естественно в Мейсене.

Фарфоровые колокола по всему свету
В 1934 году был отлит набор колоколов для Бремена. Он замечательно встроен в ажурную решетку между крышами двух соседних домов и является одной из достопримечательностей старого города, что я могу лично засвидетельствовать. Расцвет фарфоровых глокеншпилей наступил в 60-80 годы ХХ века. Наборы фарфоровых колоколов были установлены во многих городах Германии, в Австрии, Финляндии, Японии. У каждой глокеншпиль оригинальное архитектурное решение, своя мелодия, но у всех очень красивый голос.

В свое время профессор Бёрнер писал: "Я надеюсь, что фарфоровые глокеншпили будут радовать слух и побуждать к лучшему." Так это и произошло, и слава мастеру чудесных фарфоровых колоколов Эмилю Паулю Бёрнеру!

[Huchting]

Я думал, что это форум, а не глянцевый журнал, где одни люди пишут статьи, а другие - эти статьи читают. Я думал, что форум - это коллективное мышление. А что мы имеем на сегодняшний день? Откликов нет, вопросов нет, дисскусии нет, диалога нет, ничего нет. Всем все ясно, никто не желает высказаться. Я хочу обратной связи, а ее нет. Легкий диалог иногда спонтанно возникает, когда появляется флуд, кто-то говорит не по теме, это кого-то веселит, начинаются подколы, все это продолжается несколько постов, потом плавно затихает, и над темой снова опускается дымовая завеса могильной тишины. Диалоги активно ведутся только в темах купли-продажи и атрибуции, но не в гуманитарных темах...
Слышен скрип моего пера, написана очередная статья, но можно даже не заглядывать в мой кабинет - там все та же унылая надпись "Нет подписок на новые темы за последнее время".
Мне сообщали, что на форуме все уже давно наговорились, все обсудили, и теперь наступил откат. Я не верил, но похоже это правда. Грустно...

[Huchting]

В этом посте я хочу Вас познакомить с удивительным произведением фарфоровой скульптуры, вышедшим из под золотой руки замечательного мастера старейшей Фолькштедтской фарфоровой мануфактурой Мауритиуса Пфайффера. Фигура (высота - 30 см) называется Шут или Клоун или Арлекин - по-разному, но от этого ее суть не меняется. Это одна из самых интересных по замыслу и исполнению фигур стиля Арт Деко. Самое грустное для меня и для г-на Пфайффера то, что я не нашел никаких данных о его жизни и творчестве, за исключением даты рождения - 1887 год. Поразительно, но даже скурпулезные и любящие порядок немецкие биографы (я это могу подтвердить) не удосужились написать краткую его биографию. Остается слабая надежда на то, что кто-то из форумчан мне поможет. Единственное упоминание о скульпторе Мауритиусе Пфайффере есть на странице форума в теме о Шварцбургских фарфоровых мануфактурах (автор - TamaraS).

Судьба «Шварцбургских мануфактур фарфора» исторически тесно переплетена как со «Старейшей Фолькштедтской фарфоровой мануфактурой» и с «Мастерскими фарфорового искусства Унтервайсбах». В 1901 году, когда «фолькштедтская» мануфактура прошла через процедуру банкротства, её купили предприниматель Эдмунд Трёстер и дипл. инженер макс Адольф Пфайффер. В деревушке Унтервайсбах было создано художественное отделение (16 человек), которое в 1909 году было зарегистрировано как «Шварцбургские мастерские фарфорового искусства». Для руководителя этого предприятия Макса Адольфа Пфайффера создание фарфоровых композиций было «самым серьёзным делом, задачей всей жизни, о более высоком её предназначении он не мог и помыслить». Благодаря его контактам с выдающимися скульпторами и художниками того времени удалось создать столь высокий ассортимент продукции «мастерских», что он до сегодняшнего дня привлекает ценителей фарфора со всего мира. С такими скульпторами как Эрнст Баллах, Герхард Маркс или Макс Эссер ему удалось создать большую серию композиций, которые отражали художественные стили того времени. В 1913 году Макс Адольф Пфайффер покинул Унтервайссбах и стал главным художественным вдохновителем Мэйссенской мануфактуры на многие, многие годы. В середине 20-х годов деятельность «Шварцбургских мастерских фарфорового искусства» развивалась в тесной кооперации со «Старейшей Фолькштедтской фарфоровой мануфактурой». В 30-е годы эта тенденция сохранилась. Рука об руку здесь работали такие скульпторы как Мауритиус Пфайффер, Доротеа Моденхауэр, Рудольф Маркузе, Рихард Фёрстер Карл Химмельштос, Пауль Шойрих, Эта Рихтер, Артур Шторх. Хуго Майзель и другие широко известные модельеры и художники.